In questo grande affresco storico di John J. Scarisbrick, la scena inglese è proiettata sullo sfondo agitato e sfarzoso dell’Europa del primo Rinascimento ed accanto a Enrico si muove una folla di grandi comprimari e di comparse. I suoi grandi antagonisti europei: Francesco I, Carlo V, Clemente VII; le figure — divenute proverbiali — delle sue sei spose, da Caterina d’Aragona a Catherine Parr; i suoi ministri: Wolsey, Thomas More, Cromwell; e soprattutto il grande “coro” dell’aristocrazia inglese e della Chiesa d’Inghilterra, ancora turbolenta e feudale la prima, riottosa a sottomettersi e che sarà domata soltanto col sangue e con la scure; troppo ricca e potente la seconda, che verrà piegata, umiliata, spogliata di tutte le sue ricchezze che faranno da base alla nuova aristocrazia fedele alla Corona. Da queste scenografie fra autunno del Medioevo e albori dell’Età moderna, fra tornei e nostalgie cavalleresche e dispute teologiche, fra passioni carnali e sottili giochi politici e diplomatici, Enrico VIII emerge come figura a tutto tondo, vero protagonista del suo tempo e del suo paese.

Mentre gli altri movimenti" scrive Arturo Schwarz nella sua prefazione al volume, "proponevano una nuova ricetta culinaria, una nuova tavolozza pittorica, Dada proponeva una nuova filosofia della vita che contestava, tra l'altro, anche il senso della sperimentazione puramente formale dell'artista ingabbiato in un ruolo elitario dalla sua specializzazione e vittima consenziente della divisione del lavoro. Così, contrariamente a tutti i movimenti dell'avanguardia storica che l'hanno preceduto. Dada non è sorto in seguito all'iniziativa di pittori ma a quella di poeti e letterati.
[...] I pittori dada, al pari dei poeti e degli scrittori dada, rifiutano di sottomettersi alla divisione del lavoro, di appartenere a una categoria professionale castrante, di recitare un solo ruolo, di leggere una sola partitura. Così la produzione letteraria e poetica di Arp, Picabia, Ernst, Hausmann, Schwitters. Duchamp, Kassak, Van Doesburg è altrettanto impegnata quanto quella artistica, e i testi scelti per quest'Almanacco stanno a dimostrarlo."
Progetti e realizzazioni, teorie e attuazioni, logos e praxis, tra questi due poli oscilla continuamente l'attività dada: sono stati quindi scelti per questo Almanacco non solamente i contributi teorici più significativi — manifesti, proclami, conferenze, articoli — ma anche, e in misura probabilmente maggiore, le loro realizzazioni: a livello verbale: poesie, aforismi, lavori teatrali, racconti; a livello plastico: disegni, incisioni, dipinti, collage e assemblage.
Per quanto riguarda il materiale illustrativo, non sorprenderà pertanto l'ampia scelta di stampati, manifesti, copertine e interni di riviste. La rivoluzione dada nel campo tipografico è stata vasta e duratura e questo aspetto dell'attività dada — per il suo carattere gratuito e non commerciale — alla pari della poesia, è quello in cui lo spirito dada si evidenzia con particolare felicità e libertà.
"Il dadaista," ricorda ancora Schwarz, "insorge contro le tavole del conformismo tradizionale e fa del proprio lavoro, in primo luogo, una testimonianza diretta della crisi storica in cui si è trovato a dibattersi. Una radicale problematicità  investe l'intero codice della saggezza e della sapienza ereditarie, e subito interviene, scopertamente, la violazione di quelle norme di 'ragionevolezza' e di 'buon senso' borghesi che, rivoluzionarie esse stesse alle origini, avevano preteso di trasformare in 'naturale' la loro effettiva dimensione 'storica.' Così il dadaista spinge ai limiti estremi la carica eversiva che era contenuta, alle origini, negli stessi termini ultimi della cultura romantica, e la dialettica tra 'ordine' borghese e 'avventura' anarchica si pone, in concreto, sul piano estetico, come dialettica tra 'imitazione' e 'invenzione,' cioè appunto nei medesimi termini in cui si era collocata all'inizio della rivoluzione romantica, ma rovesciandone il significato."

Tecnica artistica complessa e sempre in via di sperimentazione, dalle potenzialità espressive senza limite, riusciva a conferire all’oggetto finito un carattere familiare, quasi domestico e più caldo rispetto all’algida perfezione dei mosaici di pietra dura. Il repertorio figurativo e ornamentale, sempre basato su un gioco mimetico e illusionistico, poteva simulare, al primo impatto, una tarsia marmorea o di ebano e avorio, un’incisione o una natura morta, oppure una «pittura sotto vetro»: all’artefice — alla sua abilità tecnica, alle sue capacità disegnative, al suo gusto e alla sua creatività —, naturalmente, il merito del risultato finale. Ma il segreto di quest’arte si era perso nel tempo e si pensava che fosse custodito solo nella memoria di epoche passate e in esperienze ormai irripetibili.
Oggi, il fiorentino Bianco Bianchi, depositario di quest’arte antica, ha rilanciato nel mondo il gusto per la decorazione in scagliola. Nel 1969, in seguito all’interesse riscosso da una sua opera esposta presso la sede della compagnia Alitalia a New York, fu organizzata una mostra itinerante negli Stati Uniti nel corso della quale venivano date dimostrazioni pratiche sulla tecnica ed esposte le opere del laboratorio Bianchi. La risonanza di questa iniziativa fu tale che in poco tempo una vera e propria clientela internazionale — come i Duchi di Kent, sultani e capi di Stato arabi, attori e personaggi del mondo dello spettacolo e della moda, tra cui lo stilista Gianni Versace — si cominciò a rivolgere alla bottega fiorentina per la realizzazione di tavoli e oggetti di vario tipo, garantendo un successo e una diffusione tali, che oggi la scagliola viene considerata uno dei materiali più esclusivi nell’ambito dell’arredamento.